Mint Julep – Save Your Season (2011)

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Para ir cerrando el año adecuadamente les dejo una muestra más de ese estilo que abarrotó todos los espacios y estuvo presente en todos los reproductores durante los últimos doce meses, me refiero al emotivo shoegaze que ha vivido algo así como un revival mundial y que se ha convertido en el estilo preferido de esa nueva generación de jóvenes músicos que buscan crear algo “distinto” y que han tomado como base esas atmósferas de aires adolescentes saturadas de reverbs y delays para darle una importante bifurcación de sub-estilos y una notable variedad de texturas y ritmos a este movimiento.
En esta ocasión voy a hablar de Mint Julep, un dueto originario de Boston pero radicado en Portland formado por el matrimonio Kenniff; Él, Keith, se encarga de la composición y de los instrumentos, además ya es reconocido en ciertos circuitos gracias a su proyecto personal de ambient Helios. Ella, Hollie, es la responsable de echar a andar nuestra imaginación con su ensoñadora voz y su dulce canto que es calmo y potente a la vez. Sus composiciones que mezclan el shoegaze, el ambient y la electrónica son canciones de texturas oscuras pero de una bizarra belleza embriagante que causa adicción. Por momentos pueden sonar un tanto agresivos con esa contundencia sutil muy al estilo de The Joy Formidable y después la parte electrónica nos hace emparentarlos con The Big Pink. Varias capas de sonido, donde incluso hay algunas que son casi imperceptibles pero al momento de descubrirlas se tornan en una exquisitez, le dan la forma final al trabajo de este dueto que podría llegar a sonar hasta un tanto épico.
El nombre de la agrupación hace referencia a una bebida alcohólica a base de agua y menta que es tradicional en el sur de los Estados Unidos, no tengo la mínima idea a que sepa pero estoy seguro que si la música de este dueto es concebida bajos los efectos de esta bebida e inspirada por sus propiedades no tengo una duda que se trata de un contundente pero sutil madrazo de sabor.

High Highs - High Highs EP (2011)

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A veces en alguno de esos días rutinarios presentes en toda oficina, en que todos mis movimientos son maquinalmente repetitivos y mis pensamientos obedecen más a una práctica habitual que a un ejercicio de consciencia en sí, en el momento menos esperado, cuando no lo imagino y no espero nada sino terminar eso que me tiene embebido, por mis oídos se cuela alguna música tan jodidamente emotiva que es prácticamente imposible abandonar de manera inmediata el cuerpo y entregarme dócilmente a las placenteras maniobras de la ensoñación producida por esos acordes que arremeten como cascada en mi sistema auditivo. Quizá sea un recordatorio de lo insulsa que puede resultar a veces la vida laboral o simplemente es la debilidad de caer en las manos de esa droga que es la música para nosotros, vaya uno a saber. Ahora, retomando lo que quería decir, este efecto sicotrópico de sensaciones plácidas son provocadas por la música del trío Australiano High Highs. Ellos se encuentran afincados en Brooklyn desde donde crean un Ambient-Dreampop como una suerte de artificio mágico que produce una atmósfera de belleza inigualable. Este fin de año están estrenando su primer EP autotitulado donde ofrecen 4 tracks con texturas llenas de melancolía, pero de esa que se añora y se evoca toda vez que nos remitimos a los recuerdos más hermosos y valiosos de nuestro disco duro personal.
En canciones como “Flowers Bloom”, con tan solo escuchar la introducción lo-fi preciosista y la sedosa voz de Jack Milas se siente un escalofrío por la espalda, tal vez se debe a la brisa marina imaginaria de este atardecer que observo desde aquel bote donde la melodía me ha colocado, la visión es tan palpable que termina como una desconcertante sensación de frío por la emoción que contagia. De pronto en piezas como “Open Season” el trío susurra con el shoegaze y su actitud deprimente, pero inmediatamente renuncia a él aferrándose a la delicadeza del dream-pop y su melancolía ensoñadora.
Tienen momentos de folk desbocado con trepidantes cuerdas de guitarra acústica y una batería casi marcial como en el inicio de “Horses” pero también de ese folk apacible y refinado de “Ivy” que conduce a la relajación sensorial y por supuesto a la añoranza de la que hablaba en un principio.
Esperaré con ansia el primer larga duración de High Highs con la esperanza de que dicho material sea tan bueno o mejor que esta pieza artística de grandes dimensiones.

The Bronzed Chorus - Gleaning EP (2011)

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Poca información pude encontrar de este dueto de math-rock; solo que son originarios de Carolina del Norte y que tienen en su haber un par de discos entre ellos el que nos ocupa en esta ocasión, el EP titulado Gleaning recién lanzado este año.

El plato abre con The Morning has gold in its mouth que sosiega el espacio con una atmósfera maquinal de secuencias repetitivas acompasadas por una batería de exactitud milimétrica, apenas sobresale el susurro insinuante de unos instrumentos de cuerdas tímidos y distantes que invitan a la calma. De pronto la quietud es irrumpida por el trepidante ritmo de Are we not speedwagon?, el math rock se engalana con las notas suaves pero cósmicas del punteo de la guitarra que combinado con los sintetizadores y el peculiar uso de los platillos Hi hat en la batería nos hace recordar un poco las enviciantes melodías de Maseratti pero a velocidades no humanas.

El siguiente track es Pleiades que desde el título nos sugiere una pieza que convida a la observación estelar con la música como perfecta compañía para fundirse en la vastedad del universo, continúan hipnotizándonos con el punteo en la guitarra enmarcado con secuencias atmosféricas muy ochenteras y el travieso sonido del doble bombo hace lo suyo para quitar un poco tanta solemnidad.

Por último el track walletkeys/phonesmokes nos da una lección de cómo los cambios de ritmo pueden convertirse en una impresionante herramienta al ser usado de manera correcta. De repente el sonido sutil y provocador se convierte en un swing que trasmite al instante una poderosa sensación rítmica que puede resultar orgásmica para luego volver al suave final que cierra el disco con una batería casi marcial que se desvanece ante el último soplo de los sintes.

The Demos – Lovely (2011)

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Existen jóvenes músicos que simplemente no comulgan con los conceptos de ese movimiento en boga llamado Lo-Fi de canciones caseras grabadas en pocos minutos en las habitaciones de adolescentes introvertidos y “raros”, personas que todavía creen fervientemente en la alta fidelidad y los detalles que una grabación en estudio puede ofrecer, entes que aún confían en la influencia de la música de los Beatles y los Beach Boys y que no tienen miedo a escribir canciones que hablen del amor como se hacía en antaño. Tal es el caso de Jason Milton y Callan Saunders oriundos de Rochester NY, quienes forman el proyecto llamado The Demos y nos ofrecen una alternativa verdaderamente sincera y hasta atrevida.
Su propuesta es una base de Powerpop con algunos tintes de Britpop y surf de melodías pegajosas muy facilitas de digerir y estribillos tarareables hasta el cansancio, coros y guitarritas muy “California way” con un sonido similar a Fountains of Wayne ó Telekinesis (el lado menos grunge de éste último). Ahora nos presentan el LP Lovely, título que definitivamente le queda como anillo al dedo ya que consta de 12 adorables tracks que cautivan incluso al más duro de los corazones, convencen al más ignorante de los pazguatos y conmueven al más imprudente de los cabezas huecas…
Ah! es verdad, creo que he perdido objetividad con tanta miel, así que únete a mí y descubramos juntos lo maravilloso que este mundo tiene para ofrecer con Lovely de The Demos como soundtrack de nuestra odisea, no te arrepentirás.

Giles Corey – Giles Corey (2011)

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“En algún momento de la primavera de 2009, intenté suicidarme. Seis meses antes, usé el artefacto de Voor por primera vez”.

Con estas palabras, evidentemente sepulcrales, comienza el proyecto personal e intimista de Dan Barrett parte fundamental de Have a Nice Life.
El nombre de Giles Corey es tomado de un personaje de la historia norteamericana del siglo XVII, básicamente un granjero acusado de brujería en el año 1692, fue torturado y muerto con el método conocido como la “Tortuga” en el cual se apilaban gigantescas rocas sobre el individuo sometido con el fin de extraer la confesión en la que aceptara su inclinación hacia las artes diabólicas, en lugar de eso se afirma que solo repetía las palabras “más peso”.
Ahora, volviendo al tema del proyecto de Barrett, éste se trata de una obra conceptual que consta del CD y un libro de 150 páginas donde Barrett expone a través de sonidos y letras su manera de apreciar la muerte, el suicidio, la depresión y aquello en lo que nos convertimos después de la vida. Con sus visiones de novias fantasmales, chicos horrorizados ante la imagen de su madre muerta, declaraciones de odio hacia sí mismo no como excusa sino motor para cometer suicidio y lamentos de desamor, Barret hace uso de guitarras acústicas, órganos de viento, violines, pianos de llantos caóticos, coros espectrales provenientes de alguna iglesia abandonada y gritos demenciales de infinito dolor para producir un Dark-Folk visceral y deprimente, que efectivamente incita al suicidio de una manera tan natural como la vida en sí.
“all around us
hangs an air of darkest doom,
and it flows out my lungs
and slowly fills the room

I open up my heart
and stick my fingers in,
but you will never want
what I have to give”

Con temas tan emotivos como “Blackest Bile” o mi favorita “Grave filled with Books” Giles Corey nos conmueve de manera inmediata creando una atmósfera casi perfecta en la que flotan en una misma habitación la paz y los deseos rabiosos de muerte y desesperanza más contenidos .

“I will break my spine on the page,
like the books that will up my grave.
I am entombed in my bed
with those words that you said, that I kept :
that I'm not the only one
that I'm not the only one
that I'm not the only one
that you've never loved.”

ZOLA JESUS – CONATUS (2011)

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El regreso de esa bruja electrogótica que responde al nombre de Zola Jesus se ha materializado en el tercer LP de este personaje de voz solemne de rasgos operísticos, sueños retorcidos surrealistas y atmósferas de beats repletas de un oscurantismo taciturno casi desolador. Ya habíamos recibido una pequeña dosis de lo que nos vendría este año por parte de Nika Roza Danilova con la grandiosa colaboración al reciente material de M83.
Ahora con la presentación de su nuevo plato titulado Conatus , a lo largo de sus once inmejorables tracks, la Danilova nos conduce a terrenos depresivos cargados de sus ya acostumbradas enervantes sonorizaciones Dark-pop con reminiscencias de New Wave que nos encrespan la piel.
No hay muchos cambios estructurales en relación con sus trabajos anteriores, quizá la única diferencia estriba en que Zola Jesus ahora nos regala con su voz un halo de falso optimismo, como una fingida luminosidad que nos hace albergar un poco de esperanza en algo inexplicable que se va diluyendo de a poco con la gélida musicalización de sus sintetizadores. El diseño de la portada, que merece mención aparte por su belleza, corrió a cargo de ella misma.
Personalmente me parece hasta ahora el trabajo mejor logrado de la ruso-americana síntoma de que la experiencia de sus anteriores placas le va sentando de maravilla a esta aún joven prominente virtuosa del underground. Este otoño pinta para ser deprimente en cuestiones musicales y aquí tenemos la primer gran muestra mejor que pintada para desgarrarse en estos días de ausencia de Febo.

St. Vincent - Strange Mercy (2011)

Después de dos inmejorables discos de estudio, en especial aquel Actor de 2009 que sin duda fue de lo mejor de aquel año, Annie Clark AKA St. Vincent presenta su tercer LP titulado Strange Mercy en el que se rodea de grandes colaboradores como McKenzie Smith de Midlake, Phil Palazzolo de Okkervil River o Daniel Hart de The Polyphonic Spree. La fórmula impresa en su estilo no ha variado mucho con respecto a los platos anteriores, sus canciones siguen siendo estructuras densas y complicadas más centradas en la experimentación que en la propia composición en sí, Annie tiene demasiada habilidad en sus manos para manipular su Fender de manera que le exprime sonidos inimaginables que van desde el más calmo y nostálgico arpegio como suave goteo hasta el más corrosivo riff como en Northern Lights o Chloe in the afternoon y si a esto le agregamos la dulce y clara voz de la Clark el resultado es una rara mezcla entre ternura y demencia a la vez.

La instrumentación clásica sigue estando presentes, hay violines, pianos y sobretodo el favorito clarinete que suelen incorporar, pero además de eso ahora incluyen algunos elementos electrónicos como en Cruel, dándole un poco de frescura a los ambientes. En lo particular considero este Strange Mercy como el mejor disco hasta la fecha de Annie Clark, demostrándonos que en los terrenos del pop también hay cabida para la experimentación y que el resultado puede ser digno de halagos como en esta ocasión.

The Drums - Portamento (2011)

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El verano del 2010 comenzó y ya nunca terminó para aquellos que tuvimos la suerte de escuchar el álbum homónimo de los Neoyorquinos The Drums que con sus melodías oscuronas de sonidos playeros y tristes letras de amores veraniegos captaron una gran cantidad de fans por todo el planeta, los cuales caíamos rendidos ante los pies del frontman Jonathan Pierce al verlo en sus actuaciones en vivo. Canciones como "Forever and ever amen", "Me and the moon" ó la ya convertida en clásico de verano "Let's go surfing" consolidaron este disco como uno de los mejores del año pasado, sin embargo la trepidante carrera de los oriundos de Brooklyn no comenzó ahí, de hecho desde 2009 con su EP Summertime conmovieron a miles de entes con temas como "I felt stupid" ó "Submarine" por lo que decidieron no quedarse con las ganas de sacar material nuevo cada año y en 2011 presentan el segundo larga duración titulado Portamento (Def: transición de un sonido hasta otro más agudo o más grave, sin que exista una discontinuidad o salto al pasar de uno al otro).


Con este precedente las expectativas generadas para el segundo larga duración quedaron muy altas y considerando que para toda banda casi siempre el segundo álbum es el que define el éxito o fracaso de una agrupación los Neoyorquinos tenían un difícil reto por vencer y han sorprendido a todos con este material, comenzando por el título tan poco común y la portada un tanto desconcertante para aquellos que simplemente no le hayamos relación alguna con su estilo musical o su lírica.


Musicalmente siguen con el mismo estilo Dark-pop ochentero mezclado con surf y rock de los 60's, sin embargo se nota un sonido mejor trabajado y más maduro, además vuelven a sus raíces musicales y desenpolvaron los sintetizadores análogos que había arrumbado al cambiarlos por guitarras por lo que las atmósferas están más cargadas de acompañamientos y ruiditos electrónicos en tracks como "Searching for heaven" ó "Hard to Love". En las letras hay un cambio más drástico, ahora Pierce se siente más honesto y profundiza en temas más reflexivos como la vida después de la muerte o las creencias religiosas lo que sin lugar a dudas repercute en el ánimo de las canciones haciendo del conjunto de 12 tracks un disco más "serio" con espíritu menos festivo que su antecesor lo cual podría traducirse en una pérdida importante en el número de fans para aquellos que esperaban una continuación de su primer LP.

Portamento es un disco excelente pero para apreciarlo será necesario estar conscientes de que la banda se ha alejado de ese espíritu "Let's go surfing" para adentrarse en terrenos más emocionales, además es necesario darle al menos 4 escuchas para ir captando las increíbles texturas llenas de nostalgia y esos pequeños detalles que hacen grandes a las canciones, después de esto seguramente estarás tarareando durante el próximo bimestre cada uno de los tracks.

The Bilinda Butchers - Regret, Love, Guilt, Dreams (2011)

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es un dueto originario de San Francisco que decidió nombrarse así en honor a la guitarrista de la mítica banda irlandesa My Bloody Valentine y autodefinen su música como nostalgia pop aunque en realidad su sonido es una mezcla de shoegaze, dream pop y glo-fi con sonidos electrónicos de atmósferas saturadas y juvenil melancolía, en la susurrante voz de letras casi inentendibles hay una clara reminiscencia al sonido clásico del shoegaze de principios de los noventa que nos ratifica una vez más que este movimiento no ha muerto, por el contrario es junto con el chillwave los estilos que definieron los sonidos del 2011.

Con un título tan sugerente como sutil presentan el EP Regret, love, guilt, dreams (Arrepentimiento, amor, culpa, sueños) con 6 ensoñadoras canciones empapadas de esas texturas nostálgicas que nos llenan de ese sentimiento dulce-amargo que solo estos sonidos nos pueden provocar. El plato abre con "All my friends", track de un característico sonido pop lo-fi de sintetizadores ochenteros, guitarras dream pop y marcadas melodías que desde ya ponen bien en claro por donde va la temática del disco; la adolescencia, los amigos, los paisajes que se quedan guardados en nuestras memorias, los dolores de la juventud y el interminable amor que mana esta condición. A continuación "Tulips" es ese suave remanso con que el sonido hipnótico del chillwave ha inundado la escena musical durante el último par de años. "Careless Teens" que a mi parecer es el mejor track del disco, es una pequeña joya musical en la que capas de ruido reverberante parecen saturarte los oídos pero a la vez enternecen con ese romanticismo tan melancólico. "Sigh" y "Boyfriend" nos remiten en seguida a ese shoegaze electronico de bandas como The Radio dept ó M83 para cerrar con "Secrets" que es una emotiva pieza de ambient.

la banda aún no tiene contrato con alguna disquera y distribuye gratuitamente su EP a través de su bandcamp, sin embargo queda muy claro que el futuro de este dueto se percibe muy esperanzador.

††† (Crosses) - EP (2011)

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††† es el nuevo proyecto paralelo de Chino Moreno (Deftones) recién formado en 2011 junto con su amigo de la infancia Shaun Lopez (Far) y Scott Chuck e inmediatamente han presentado su primer trabajo en formato EP. Se trata de una obra más intimista de Moreno donde ha dejado un poco de lado ese sonido salvaje de voces desgarradas para dar paso a estructuras de bases más electrónicas jugando con ritmos que van desde el trip-hop hasta el dubstep pero siempre con el oscuro transitar de la guitarra como primera capa de sonido, tal vez omite la brutalidad de su banda principal mas no las atmósferas densas y enviciadas cargadas de mucha experimentación.

Pulseprogramming - Charade is Gold (2011)

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Nostalgia musical por ese pop de los ochenta de sintetizadores análogos, voces casi susurradas y melodiosas armonías es la nueva propuesta de la agrupación norteamericana pulseprogramming. Charade is gold definitivamente no es un disco que va a trascender y tal vez en parte es porque esa es la propia naturaleza de las canciones que lo componen, así fueron creadas para no destacar en particular y convertirse en éxitos. Sin embargo entre ellas hay algunos tracks que sobresalen por encima del resto, no diré cuáles para que al menos se le dé una escucha casual al plato que bien lo vale.

The Drums - Money (Adelanto)

Sueños de secundaria frustrados por el factor monetario; es verano y estuve con Luis patinando en el parque. Después regresé a casa para darme un baño y arreglarme lo mejor posible para ti, usé la loción de papá y la crema que mi hermano usa para esconder el acné. Antes de subir al autobús compré una lechuguilla que bebí mientras se escuchaba a Milli Vanilli en el reproductor de cassettes del chofer. El día anterior discutimos porque te vi montada en la motocicleta de tu amigo; aquel que no soporto. Te reclamé y me diste un sape, por eso hoy quiero disculparme y me gustaría comprarte algo pero no tengo dinero. Si en este momento encontrara el auto que te gusta lo robaría para ti, si un arma fuera lo que deseas la robaría para ti, pero soy cobarde y mis bolsillos están vacíos... puto dinero!!!
mejor te propongo algo: hagamos algo realmente divertido antes de morir.

Money es el primer sencillo adelantado para el muy esperado segundo larga duración de la banda Neoyorquina The Drums que después de presentar dos alucinantes EP's y un primer LP que notablemente formó parte de mi listado de los mejores discos del 2010 anuncian que el 12 Septiembre sale a la luz Portamento, trabajo con el que buscan superar las expectativas tan altas que hay para esta producción.

Por lo que podemos escuchar en el adelanto, la banda sigue con el mismo estilo Pop ochentero de tintes oscuros y como sus principales cualidades las melodías sumamente pegajosas, los estribillos de guitarras adictivos y las letras sencillas y directas. En la cuestión técnica si se escucha una mejora tanto en la instrumentación como en la voz que se notan mejor trabajadas. Solo nos resta esperar el plato completo para decidir si superan o no las expectativas.

Beirut - The Rip Tide (2011)

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Los instrumentos de viento-metal nunca volvieron a ser vistos de la misma manera a partir de que el mundo conoció el proyecto personal de ese joven prodigio de la música oriundo de Nuevo Mexico llamado Zach Condon. Beirut nos ha hecho sentir profundamente la belleza de esos arreglos preciosistas en los intrumentos de metal que este tipo conoce a la perfección y que le han servido de trampolín para recaudar miles de seguidores en todo el planeta.

Ahora, después de un par de años de ansiosa espera podemos escuchar por fin el tercer disco de larga duración de esta banda que flota entre el indie y el folk de manera tan natural y fluida como quien se bebe una copa de vino. El título de este majestuoso trabajo es The Rip Tide y supera con creces las expectativas generadas a partir de la edición del EP The March of Zapotec / Holland.

En esta ocasión la banda parece alejarse un poco de esos ambientes de tintes oscuros de sus trabajos anteriores presentando ahora una placa llena de luminosidad y de cierto optimismo donde Zach ahora quiere coquetear un poco con el mainstream como para demostrarle a todo, todo el mundo su capacidad para sensibilizar cualquier espíritu con sus armonías, cosa que sinceramente me parece sale sobrando.

Así pues, Beirut recapitula cada una de las etapas de sus platos anteriores para crear una acertada mezcla de canciones donde podemos escuchar ese sonido balcánico de sus primeros títulos, pero también esos ritmos Galos que nos regaló con The Flying Club Cup y se puede sentir el sonido de Oaxaca y hasta las experimentaciones electrónicas que usó en Holland creando todo un bagaje rico en sonoridad y en texturas.

Me atrevo a declarar que posiblemente este sea el mejor disco que he escuchado en el 2011 y nuevamente he vuelto a experimentar esas sensaciones encontradas que solo esta banda puede crear. Es como sentirse traicionado por tus propios sentimientos y dejarse llevar sin importar lo maltrecho que pueda quedar tu espíritu, al final siempre quedará ese dejo como un sinsabor de efectos placenteros y prolongados.

Kids on a crime spree - We love you so bad (2011)

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Después de pasar una temporada por tierras Suecas y de haber experimentado el olvido de su primer banda, Mario Hernández regresa a California para formar Kids on a crime spree (que en español vendría ser algo así como chicos en un festival criminal), banda que levanta pasiones sublimes con sus pegajosas melodías. Su música es una muy sencilla mezcla entre ese shoegaze distorsionado y corrosivo de Jesus and Mary chain y las melosas melodías del surf de los 60's de los Beach Boys.
Escuchar este EP de 8 canciones cortas y directas es evocar esa placentera sensación de estar sentado frente a una solitaria playa con una cerveza, un cigarro y un corazón maltrecho.

Este es sencillamente un trabajo sublime que merece ser reconocido en cada segundo de todo el recorrido sónico.

AEIOU - Space Hymn (2011)

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La primera ocasión que escuché a Porter con el single Espiral fue toda un revelación, apenas habían sacado su primer EP y ya daban muestras de ser una gran promesa para la pobre y aún a la fecha incipiente escena nacional. Con un estilo peculiar estos casi todavía adolescentes nos hicieron albergar serias esperanzas para su futuro.
Desgraciadamente esas esperanzas fueron claudicando debido a la pueril actitud de los integrantes de la banda, detalles como los estúpidos disfraces que usaban en sus conciertos y las bobas declaraciones que daban en sus entrevistas hicieron que perdiera el interés en ellos.
Su primer y único larga duración me pareció de mediana calidad para abajo y el primer trabajo en solista de su vocalista AKA Mussgo, AKA Juan Son ni siquiera lo he escuchado.

Pese a todo, llegó ante mí el trabajo de un dueto llamado AEIOU y no perdí oportunidad de escucharlo a pesar de que Juan Son es la media parte del grupo, lo que me llamó la atención es que su otra mitad es ni más ni menos que Simone Pace quien es el flamante baterista de la banda Neoyorquina Blonde Redhead.

Para mi sorpresa me encontré con un disco muy interesante marcado por la madurez y el ingenio de estas dos personalidades. Su música flota entre un pop de tintes oscuros con toques de new wave y una pizca de electrónica, la voz del mexicano se escucha trabajada aunque sigo pensando que en ocasiones sigue exagerando en el uso adornado de su intrumento natural. Las letras ya son más coherentes (dentro de la subconsciencia distintiva del ex-vocalista de Porter) y se nota que los años le han sentado bien. La colaboración del norteamericano es sorprendente, es un trabajo sobrio pero de gran peso en el resultado final de este colectivo pero además de él hay inmejorables colaboraciones como la de Kelley Deal de The Breeders en el primer sencillo Vivimos en L.A.

Dredg - Chuckles and Mr. Squeezy (2011)

Después de dos años de una larga y ansiosa espera ya está sonando el nuevo álbum de la banda oriunda de Los Gatos California, Dredg que dicho sea de paso es la agrupación favorita de este servidor por lo que haré un esfuerzo por dar una opinión objetiva de esta plato titulado Chuckles and Mr. Squeezy.

Consideremos primero los antecedentes. En el 2009 lanzan el álbum The Pariah, The Parrot, The Delution el cual es sencillamente una obra maestra del rock alternativo y progresivo, una verdadera joya que retoma ese rock oscuro y experimental de El Cielo, su obra maestra, por lo que muchos incluído yo pensamos que este nuevo álbum sería una continuación del Pariah.

Las malas noticias comenzaron cuando se anuncia que la producción del nuevo disco correría a cargo del aclamado y multipremiado Dan "The Automator" Nakamura. No puedo negar que este productor de origen oriental es un hacedor de éxitos comerciales y que aquello que produce casi se convierte en oro. Sin embargo en lo personal no siento ninguna atracción por el trabajo de este señor, de hecho no me agrada lo que anteriormente ha hecho con otras figuras de la música como Damon Albarn de Blur (Gorillaz) o Mike Patton de Faith No More (Lovage) y vaya que idolatro a las bandas originales de estos genios.

Llegado el momento de esuchar el disco me dispuse mentalmente a escuchar algo diferente (cosa a la que nos tiene acostumbrados esta banda) pero en la primera escucha me quedé dormido. Esa banda que comenzó tocando Nümetal allá por 1998 con Leitmotif y que en el 2002 nos regaló unos de los mejores discos de culto de la historia del rock como El Cielo y que en 2005 volvieran con su potente rock alternativo del Catch Without Arms ahora sonaba como una banda de pop de música plana, repetitiva con letras autocomplacientes.

El disco abre con Another Tribe canción en la que se escucha el sonido de Nakamura, las letras de Nakamura los arreglos de Nakamura pero con la voz de Gavin Hayes, es un track semilento con un ritmo que coquetea con el trip-hop muy bien producido pero para ser Dredg lo puedo considerar de muy bajo nivel, hasta este momento solo reconozco la voz de Hayes, de los demás integrantes no puedo apreciar su contribución. Después del primer track pienso "¿Había necesidad de que el productor contribuyera con las letras en un disco de Dredg?, ¡carajo! es como si Silvio Rodríguez pidiera ayuda a Arjona para las letras de sus canciones.

La segunda pista es Upon Returning donde al parecer la banda recompone un poco el camino, por primera vez se escucha un riff digno de esta banda con letras más acordes a Hayes "I can lie if it makes you feel better" un pequeño puente a media canción la salva de ser plana pero es muy rescatable.

Para el tercer corte, ya un poco más repuestos de la impresión de la primera canción, viene el que considero el track más flojo no solo del disco sino de la discografía completa de Dredg. The Tent es otra canción de Nakamura prestada a Dredg. No hay más que decir, es predecible, aburrida y sosa.

Después del sufrible tercer track suenan los acordes de una guitarra que dan muy buena impresión de inicio. la canción es Somebody is Laughing y desgraciadamente se queda solo en el intento de ser buena, nuevamente se escucha un sonido predecible y repetitivo. Hasta aquí me doy cuenta del error más grande que comete la agrupación en este plato y es la total desaparición de la batería de Dino Campanella. Malditos DJ's por eso los odio, quieren reemplazar todo con sus máquinas y sus teclados restando esa energía de un tarolazo.

El track cinco es Down Without a Fight, una rola muy rescatable pero también un tanto plana, curiosamente es también un sintetizador el que da la mayor gracia a esta canción, la letra es excelsa, una verdadera composición de Hayes pero siento que después del minuto 2 comienza a sonar monótona.

The Ornament me parece el momento más sincero de todo el disco, junto con Kalathat me parece que son las únicas canciones que pertenecen a Dredg, curiosamente el primero es un track rescatado de una pieza instrumental del mismo nombre que cierra el disco Catch Without Arms, la música fluye de manera natural y todos los intrumentos están en su sitio, incluída la limpia voz de Hayes

The Thought of Losing You es una buena canción pero no para el nivel de esta banda, es una de las piezas más rescatables pero sigue sonando a ese pop empalagoso al que hemos renuciado para refugiarnos en otras aguas como las que nos ofrecían bandas como la de California que ha perdido la batalla esta vez y vergonzosamente tengo que reconocerlo y es que Dredg era esa banda que sin empacho presumía a cualquiera pero que desgraciadamente en este plato no es así.

Después de Kalathat, canción que me parece lo mejor del disco no solo por su emotividad musical sino por su temática tan difícil, el final del disco vuelve nuevamente a ese sonido que suena muy forzado y que no da resultado, deifinitivamente Dredg está tocando algo para lo que no están hechos, difícilmente podrán hacer música para las masas sencillamente por que no son buenos para ello. Deseo de corazón que haya un siguiente álbum y que retomen el camino, provisionalmente seguiré siendo su condicional seguidor.

En resumen hay que ver de manera objetiva que no es un álbum malo, pero al estar fimado por Dredg las expectativas son muy altas y este el riesgo que corren.

Deerhoof - Deerhoof vs Evil (2011)

La locura hecha colectividad subconciente, vuelta creatividad descarada, hecha fuente experimental casi infinita, hecha sicodelia rítmica, hecha melodías inimaginables de cambios inesperados, hechas catársis , hecha imágenes surrealistas, vueltas trastornos sónicos de una voz angélical y pueril, convertidos en insensatez pero también sinceridad emocional vuelven a la carga por décima ocasión de la mano de la gran banda Deerhoof, agrupación norteamericana con ya dieciseis años de carrera artística.

En esta ocasión con un álbum al que ponen un título tan sugerente y a la vez tan declaratorio como lo es el de Deerhoof vs Evil nos presentan el que quizá sea su disco más ligero o amigable, entendiendo que para este trabajo se escucha un poco contenido ese salvajismo al que nos tenían acostumbrados. Los alucinantes e inesperados cambios de ritmo siguen presentes y constantes en los doce tracks que componen el plato, la experimentación es un ingrediente que siempre estará presente en todos los discos de la agrupación por lo que es algo que tampoco debe preocuparnos en este trabajo, que en general matiene un nivel muy constante en todo el disco.

Así que nuevamente vuelven a seducirnos estos californianos con la infantil voz de Satomi Matsuzaki susurrando frases inentendibles y esos chispazos jazzísticos y experimentales de las percusiones arítmicas aderezadas con las incontables caras de sus guitarras ora acústicas y calmas y despúes distorsionadas y ácidas. Es pues, una excelente opción para comenzar la temporada de calor con buen humor y una grandiosa propuesta musical.

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The Pains of Being Pure at Heart - Belong (2011)

Cuando escuché por primera vez a The Pains of being Pure at Heart fue más por la curiosidad que me imprimían los elogios que llovían de su primer LP por parte de diversos medios especializados y más aún por el abanderamiento que le adjudicaban como la banda responsable del resurgimiento del shoegaze (con su respectiva evolución). Al escucharlo comprendí de lo que hablaban y avalé todos los buenos adjetivos que les atribuían, sin embargo, por alguna razón en mi mente quedó la espinita de que su estilo como banda no daría para más y que los buenos resultados quedarían en su primer plato.

Así que al enterarme que recién presentaron su segunda producción de larga duración titulada "Belong" decidí esperar a escuchar el álbum hasta estar 100% seguro de que no estaría mentalmente predispuesto a descalificar el disco a la primera de cambio. Esta semana por fin tuve disposición de escuchar el material y me maldije cuatro veces por no haberlo hecho antes, desde los primeros acordes de Belong, canción que abre el disco te das cuenta que ante tí hay un verdadera joyita, esas cuerdas distorsionadas que se asemejan a Sometimes de My bloody Valentine te causan una adicción inmediata, el tono melódico y armonioso que los caracteriza sigue ahí presente pero más pulido y trabajado.

Su lírica se mantiene en la simplicidad sin pretensiones pero muy centrada y por momentos poética. Todo el disco mantiene muy buen ritmo y no hay canciones que sean menos que otras sin embargo quiero destacar el track Belong y sobretodo Heart in your Heartbreak; canción que sola vale la pena por su letra tan adolescentemente interesante y entretenida sin duda es mi favorita del disco.

She was the heart in your heartbreak She was the miss in your mistake And no matter what you take, you’re never going to forget

She was the tear in a rainstorm She was the promise that you would’ve sworn And no matter what you say, it’s never gonna come back

Maserati - Pyramid of the Sun (2010)

No sé por qué rayos no había posteado antes este disco, Maserati es personalmente una de mis agrupaciones favoritas de uno de mis géneros favoritos. Si el post-rock en apariencia es una fuente inagotable de sonidos entonces Maserati es uno de sus chorros que mana creatividad y brillantez de ejecución sin fin.

Técnicamente su estilo se mantiene intacto, vagando por los límites de la electrónica cósmica de finales de los 80's y mezclándola con el inconfundible sonido misterioso de sus guitarras y el poder rítmico de su alucinante batería. Su sonido es quizá menos dramático que otras bandas del género pero gracias a ello es un estilo con gran variedad y riqueza.

En resumen esta banda nos pone nuevamente a mover el esqueleto entero con sus electrozantes melodías convirtiéndolo en otra gran aportación de la banda norteamericana al glorioso post-rock. La mejor canción para mí, y no tiene que ver con que su nombre haga referencia a un estado de nuestro país, es Oaxaca pero en general todo el disco está bien balanceado para escucharlo placenteramente de principio a fin.

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Explosions in the Sky - Take Care, Take Care, Take Care (2011)

Al hablar de post rock inmediatamente vienen a nuestra mente los nombres de Godspeed you Black Emperor y Explosions in the Sky, estos últimos tal vez menos dramáticos que los primeros pero sin duda también son un referente dentro del estilo.

Tuvimos que esperar cuatro años para escuchar nuevo material de los Texanos y al fin ha salido a la luz este trabajo tan esperado al que han llamado Take Care, Take Care, Take.

Hay que ser muy precavidos al escuchar este plato y no estar predispuestos a esperar una continuación de sus discos anteriores. La banda ahora suena menos solemne y no hay esas atmósferas cargadas de sentimientos encontrados de instrumentaciones de cámara. Ahora sacan mayor provecho de las tablas y la perfecta ejecución que tienen de sus intrumentos para darnos seis cortes de indudable calidad más "al natural". Me recuerdan un poco a From Monument to masses pero sin el uso de sampleos. A pesar del evidente cambio me parece que este LP no defrauda a los seguidores del estilo.

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