Escuela de trance, Buenos Aires, Argentina – Doktor Van Der Ger Ger Ger Ger Ger EP (2011)

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La Pipi, es esa chica que alguna vez todos los hombres deseamos y admiramos durante el bachillerato. Era envidiada por todas las féminas de la institución, incluidas las del personal docente. Casi siempre objeto de cientos de proposiciones de toda índole, ella es la viva encarnación del deseo juvenil que provocaba sueños de Aquelarre en nosotros y que siempre nos miraba con desdén. Seguramente como en la mayoría de los casos la Pipi terminó embarazada de ese tipo que era tan popular en la escuela pero que terminó trabajando al frente del volante de un taxi. Ese hermoso cuerpo del que presumía terminó sólo en recuerdo y difícilmente se le reconoce al verla ahora. Pero siempre quedará vivo el bonito pensamiento que me provocó en su momento y todo lo que una musa representaba en esa etapa de mi vida.

Y si la encontrara nuevamente y llegara a reconocerla, seguramente le preguntaría “¿y que se hizo de tu sombrerito gris?”…

Con estas frases tan juvenilmente melancólicas abre el EP Doktor Van Der Ger Ger Ger Ger Ger de la banda Argentina Escuela de Trance, Buenos Aires, Argentina (vaya nombre tan largo e insufrible pronunciarlo junto con el título del EP) que propone una suerte de Pop-sicodélico de garaje en el que combinan atinadamente un bagaje de letras bonitas y melodías dulzonas con la desfachatez del punk de garaje. Mientras por un lado sigue casi al pie de la letra el instructivo de “cómo hacer Indie Argentino” dónde los tracks parecen estar todos contagiados de ritmos sha la lá y tonos dulces de voz (léase la Ola que quería ser chau, Banda de Turistas, Prietto viaja al cosmos con Mariano, guardando respectivas distancias y diferencias entre una y otras) por otro lado deciden arriesgarse más e incorporan letras sicodélicas pero a la vez lindas y guitarras distorsionadas pero sobretodo lo que se agradece profundamente a esta agrupación es elfactor sorpresa en sus composiciones lo que las vuelve un puño de temas demasiado interesantes y muy, muy poco predescibles; hay cambios de ritmo, coros desgarrados y pensamientos que por momentos rayan en la comicidad pero de una manera tan seria. Definitivamente como suelo decirlo la prueba decisiva será la del larga duración aunque hasta el momento esta banda ya lleva ventaja en aprobaciones con este interesante EP.

Mint Julep – Save Your Season (2011)

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Para ir cerrando el año adecuadamente les dejo una muestra más de ese estilo que abarrotó todos los espacios y estuvo presente en todos los reproductores durante los últimos doce meses, me refiero al emotivo shoegaze que ha vivido algo así como un revival mundial y que se ha convertido en el estilo preferido de esa nueva generación de jóvenes músicos que buscan crear algo “distinto” y que han tomado como base esas atmósferas de aires adolescentes saturadas de reverbs y delays para darle una importante bifurcación de sub-estilos y una notable variedad de texturas y ritmos a este movimiento.
En esta ocasión voy a hablar de Mint Julep, un dueto originario de Boston pero radicado en Portland formado por el matrimonio Kenniff; Él, Keith, se encarga de la composición y de los instrumentos, además ya es reconocido en ciertos circuitos gracias a su proyecto personal de ambient Helios. Ella, Hollie, es la responsable de echar a andar nuestra imaginación con su ensoñadora voz y su dulce canto que es calmo y potente a la vez. Sus composiciones que mezclan el shoegaze, el ambient y la electrónica son canciones de texturas oscuras pero de una bizarra belleza embriagante que causa adicción. Por momentos pueden sonar un tanto agresivos con esa contundencia sutil muy al estilo de The Joy Formidable y después la parte electrónica nos hace emparentarlos con The Big Pink. Varias capas de sonido, donde incluso hay algunas que son casi imperceptibles pero al momento de descubrirlas se tornan en una exquisitez, le dan la forma final al trabajo de este dueto que podría llegar a sonar hasta un tanto épico.
El nombre de la agrupación hace referencia a una bebida alcohólica a base de agua y menta que es tradicional en el sur de los Estados Unidos, no tengo la mínima idea a que sepa pero estoy seguro que si la música de este dueto es concebida bajos los efectos de esta bebida e inspirada por sus propiedades no tengo una duda que se trata de un contundente pero sutil madrazo de sabor.

La Casa Azul – La Polinesia Meridional (2011)

El señor Guille Milkiway y sus “Androides” están de vuelta en 2011 con La Polinesia Meridional, quinto disco de larga duración de esta mítica banda de Barcelona que sin duda hace, ahora más que nunca, un tributo a la música disco de los 70’s. Es un disco sin pretensiones plagado del synth-pop más bailable y disfrutable ideal para entregarnos al goce y al disfrute solo porque sí y esto queda bastante claro desde un principio con ese himno que es “Los chicos hoy saltarán a la pista”. Las letras continúan con ese rollo existencialista de Milkiway pero es abordado de una manera tan natural que es fácil perderse entre los veloces y pegajosos ritmos de sus composiciones. Ahora guille habla del miedo a envejecer (“¿Que se siente ser tan joven?”) y también del deseo que nos suele llegar a todos de hacer un acto de escapismo y desaparecer hacia La Polinesia Meridional como lo propone a través del plato. Pero por otro lado se nota preocupado por la crisis social y económica y cómo esto influye en su estado de ánimo personal (“Colisión Inminente”, “Europa Superstar”, “Sucumbir”). Sin embargo, a pesar de lo pesimista que podrían sonar en ocasiones sus letras me parece que este es un disco creado para poner de buenas a cualquiera con tan solo escucharlo, es sin duda, una buenísima opción para disfrutar alegremente este fin de año.

Adrián Juárez – Tu nombre es fresa (2011)

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Los recuerdos más lejanos a los que puedo acceder en mi desgastada memoria se remontan a la época del preescolar ó Kínder como solíamos llamarle, tendría yo unos 4 años aproximadamente. Principalmente recuerdo algunos encuentros casuales durante el descanso con mis compañeros, un salón de clases de grandes dimensiones en el que se encontraba de pie al frente mi maestra Carlota, quien fuera mi primer amor platónico. Un patio gigante con juegos a la distancia y un chapoteadero que siempre lucía seco. No olvido la hora de la salida cuando la madre llegaba puntual a recogerme y después de caminar unas cuantas calles llegábamos a casa con el anhelo de prender el televisor rápidamente para ver El Gato Félix, era un aparato Sony pequeñito y monocromático y me fascinaba mirar el puntito blanco que aparecía en la pantalla al momento de encenderlo. Mientras tanto a las 2:00 en punto llegaba el padre a comer y se marchaba dos horas después de regreso a la oficina. No había dificultad para cumplir este horario religioso ya que crecí en una ciudad sin problemas de tráfico o sobrepoblación, las distancias eran muy cortas y la gente conducía de manera cordial, además no había necesidad del aire acondicionado… muy distinto a la que es ahora.

No sé si la vida cambió tanto desde entonces o somos nosotros los que nos vamos pudriendo al paso de los años, el hecho es que ya no percibo el mundo de la misma manera que a los 4, ya no existe la magia o los colores o los sabores que admiraba a temprana edad y por el contrario a diario me entero de las peores atrocidades que podemos llegar a cometer. La emoción de comer un algodón de azúcar u oler ese extraño aroma de un globo inflado con gas ha sido superada por la necesidad de la comida rápida y el olor de alcantarilla. Es por eso que toda vez que tengo oportunidad de tomar un respiro y puedo recordar esos tiempos inocentes trato de esforzarme al máximo para retener esa sensación de vivir nuevamente esas imágenes.

¿Y a qué viene toda esta declaración de principios pueriles? Bueno, lo que trato de diferenciar desde un principio es que he hablado de discos en los que he descrito que al escucharlos inmediatamente vienen a nuestras mentes los momentos más bellos de nuestras vidas, sin embargo por lo regular éstos son recuerdos fantasmales que obedecen siempre a un acto de inmensa carga sentimental como lo es la remembranza de algún fallecido o el recuerdo de algún lejano lugar al que anhelamos regresar o incluso un momento decisivo en nuestra vida sentimental cuando adolescentes.
Por otro lado tenemos discos como Tu nombre es fresa de Adrián Juárez, que también sirven como el perfecto detonador para el ejercicio de acordar y recordar, pero a diferencia de los anteriores, el folk minimalista de Juárez nos transporta a momentos más reales pero no menos añorados, aquellos de tu niñez y tu juventud que te remiten a tu casa, a tu calle, a tu barrio y a tu ciudad. A los otros chavales con los que jugabas, al vecino que te daba miedo, a la tiendita de la esquina, las golosinas que comías, las películas que disfrutabas los sábados por la tarde, los primeros videojuegos y las niñas a las que no podías acercárteles por miedo al rechazo.

La música de Adrián es parte de ese movimiento tan de moda de hacerlo todo en tu cuarto, con una pizca de Pop, otra más grande de folk y una más pequeña de detalles electrónicos, es aderezada con instrumentación acústica casi en su totalidad y endulcorada con melodías pegajosas, letras ingeniosas, un xilófono y un piano de juguete. Toda esta mescolanza resulta en una lúdica experiencia sónica casi tan tierna y bonita como nuestros recuerdos primeros.

A pesar de sonar tan fresco Adrián Juárez no es ningún novato, desde su natal argentina dirige su propio netlabel llamado Frígida Records que cuenta con 80 discos disponibles para descarga por lo que seguramente veremos a futuro más trabajos de este genio pampero, por lo pronto este plato tiene texturas de sobra para analizar y disfrutar de un buen rato.

High Highs - High Highs EP (2011)

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A veces en alguno de esos días rutinarios presentes en toda oficina, en que todos mis movimientos son maquinalmente repetitivos y mis pensamientos obedecen más a una práctica habitual que a un ejercicio de consciencia en sí, en el momento menos esperado, cuando no lo imagino y no espero nada sino terminar eso que me tiene embebido, por mis oídos se cuela alguna música tan jodidamente emotiva que es prácticamente imposible abandonar de manera inmediata el cuerpo y entregarme dócilmente a las placenteras maniobras de la ensoñación producida por esos acordes que arremeten como cascada en mi sistema auditivo. Quizá sea un recordatorio de lo insulsa que puede resultar a veces la vida laboral o simplemente es la debilidad de caer en las manos de esa droga que es la música para nosotros, vaya uno a saber. Ahora, retomando lo que quería decir, este efecto sicotrópico de sensaciones plácidas son provocadas por la música del trío Australiano High Highs. Ellos se encuentran afincados en Brooklyn desde donde crean un Ambient-Dreampop como una suerte de artificio mágico que produce una atmósfera de belleza inigualable. Este fin de año están estrenando su primer EP autotitulado donde ofrecen 4 tracks con texturas llenas de melancolía, pero de esa que se añora y se evoca toda vez que nos remitimos a los recuerdos más hermosos y valiosos de nuestro disco duro personal.
En canciones como “Flowers Bloom”, con tan solo escuchar la introducción lo-fi preciosista y la sedosa voz de Jack Milas se siente un escalofrío por la espalda, tal vez se debe a la brisa marina imaginaria de este atardecer que observo desde aquel bote donde la melodía me ha colocado, la visión es tan palpable que termina como una desconcertante sensación de frío por la emoción que contagia. De pronto en piezas como “Open Season” el trío susurra con el shoegaze y su actitud deprimente, pero inmediatamente renuncia a él aferrándose a la delicadeza del dream-pop y su melancolía ensoñadora.
Tienen momentos de folk desbocado con trepidantes cuerdas de guitarra acústica y una batería casi marcial como en el inicio de “Horses” pero también de ese folk apacible y refinado de “Ivy” que conduce a la relajación sensorial y por supuesto a la añoranza de la que hablaba en un principio.
Esperaré con ansia el primer larga duración de High Highs con la esperanza de que dicho material sea tan bueno o mejor que esta pieza artística de grandes dimensiones.

Alex Anwandter – Rebeldes (2011)

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Siendo el cambio la única constante en el imaginario incansable de este chileno miembro fundador de Teleradio Donoso y creador del proyecto personal alterno Odisea, Alex Anwandter decide replantear su futuro una vez más, evolucionar y tomar nuevamente una dirección opuesta a lo que anteriormente venía haciendo con sus proyectos anteriores como una suerte de pretexto personal para apaciguar ese cosquilleo que en su mente le dice “no sigas con lo mismo, debes proponer”, es cierto, no renuncia al Pop más digerible que lo ha caracterizado a través de sus tres álbumes de estudio y no hay un cambio estructural en sus composiciones, sin embargo para su cuarta producción, ahora bajo su propio nombre, se percibe en los sonidos de los 9 tracks que la conforman una atmósfera inundada de una seductora sensación de frescura que ilusiona al espíritu y que hacen de este disco titulado Rebeldes una auténtica joya del pop en español. Para esto se ha valido de la ayuda del Rey Midas de la escena chilensis, me refiero a Cristian Heyne, sí el mismo de Javiera Mena y Gepe y pensándolo bien tal vez ésta sea la razón de que en cuanto se escuchan las primeras notas de “Cómo puedes vivir contigo mismo” track que abre el plato, inmediatamente nos remitimos a ese portento del año pasado que fue Mena.

Si hablamos a la ligera podríamos decir que el disco tiene mucho de Mena (tal vez por la mano de Heyne que es evidente) pero siendo más atentos se puede distinguir el valor propio del trabajo de Anwandter y los detalles que lo diferencian, sí hay similitud con Javiera pero también hay un sutil coqueteo con el dream-pop, un pequeño dejo del Saturdays=Young de M83 de tintes nostálgicos juveniles, sobretodo en tracks como el que le da nombre al disco.

La lírica de Anwandter es ahora un tanto más personal y menos “urbana” como resultado de algún ejercicio introspectivo donde ahora el chileno exterioriza sentimientos que bien podrían considerarse clichés dentro del género como el amor o la amistad, pero que gracias al perfecto manejo y estructuración de frases nos llegan de una manera tan natural e inteligente que por supuesto cautivan a cualquiera. “Guardo un tatuaje de nuestra época más gris”.

Esperemos que el tiempo le dé el justo valor a este trabajo, más allá de ser una producción más de Heyne, se trata de otra muestra del camino que debe tomar el pop en español si quiere ser liberado de ese estado de inmundicia en que se encuentra actualmente, en especial en este país lleno de grupos sobrevalorados faltos de imaginación y originalidad. He dicho.

Los Mundos - Los Mundos EP (2011)

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En un año 2011 tan prolífico para la escena independiente mexicana, que lanza algo así como una respuesta ante la inclemente oleada de bandas y proyectos chilenos (aplaudidos merecidamente) que inundaron los escenarios durante el 2010, se siguen lanzando excelentes propuestas en este último cuarto de año que siguen ilusionándonos con la esperanza de que un verdadero movimiento importante se esté gestando en la incipiente escena nacional y que por fin logremos liberarnos de ese penoso lastre de estar rezagados por varios años en cuanto a vanguardia musical se refiere.
Bandas y proyectos como Bam Bam, Torreblanca, White ninja ó Mentira Mentira entre otros han publicado durante este año platos dignos de encomiarse donde todos ellos distan entre sí en estilo y contenido lo que convierte al movimiento nacional en una oleada variopinta y rica en recursos y texturas, desde la sicodelia al pop hemos estado agradecidos de recibir estas muestras sónicas etiquetadas con originalidad y talento.
Ahora toca el turno a este dueto llamado Los Mundos, sociedad que se forma casi por obra de la casualidad y que es como una serendipia; un resultado casual de valioso hallazgo. Está formado por Alejandro “El Chivo” Elizondo (60Tigres, Mentira mentira) y Luis Ángel Martínez (Piyama Party) quienes deciden colaborar en una canción para 60Tigres llamada “El Sol no sabe” y los resultados fueron tan alentadores que deciden grabar un EP completo como proyecto alterno componiendo, grabando y editando a distancia entre Monclova y Monterrey debido a las diferentes residencias de éstos.
Hay en su música una nostálgica muestra de ese shoegaze de Jesus and Mary Chain que rápidamente nos hace remitirnos a la banda escocesa, entre atmósferas atascadas de distorsiones y reverbs nos conducen por la historia de nuestra adolescencia donde la simplicidad de todas las cosas y el gusto de hacer algo tan sencillo como invitar un helado a esa persona especial para platicar ó jugar futbol ó tener una banda de rock constituyen lo verdaderamente importante en el vulnerable espacio de un puberto.

Miaou – The Day Will Come Before Long (2011)

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Escucha esto y piérdete en el hermoso ocaso que ahora evoca tu imaginario, en esta instancia de la vida donde el deseo y la carne menguan y todo se resume en el lánguido sollozo que pretende falsamente intimidar a la muerte.

Las hermanas Mayumi e Hiromi Hasegawa junto con Tatsuki Hamakasi forman Miaou en el año 1999. Hasta antes del 2011 tenían en su haber 3 largas duraciones y un trabajo más en formato EP en el que desplegaban un Ambient-Postrock de finos matices que coqueteaba de a poco con el pop. En su natal Japón recaudaron un considerable número de seguidores al compartir escenarios con bandas como Epic45 y Tracer AMC y para el año 2008 ya participan en festivales en países como Irlanda o Reino Unido.
Su cuarto larga duración es grabado esta primavera en Tokyo y mezclado en Australia, lleva por título The Day Will Come Before Long y cuenta con interesantes participaciones como Ben Holton (Epic45) en la voz. Su sonido se escucha más electrónico que nunca sin renunciar al Postrock, por el contrario es enriquecido con las atmósferas ambient y los drones que incorporan y a pesar del uso de beats electrónicos logran cautivar con sus delicados matices llenos de esperanza y de esa “chispa” que exalta el alma al escuchar los taciturnos acordes de la guitarra acústica.
Una verdadera delicia.

Astro - Astro (2011)

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El EP Le disc de Astrou del año pasado (que en realidad fue lanzado desde 2009) catapultó internacionalmente a esta banda Chilena dándole reconocimiento en toda América Latina y parte del continente Europeo con temas inolvidables como "Maestro distorsión", sin embargo a pesar de que recaudaron una gran cantidad de seguidores por otro lado también hubo un considerable número de retractores que ponían en duda la originalidad y capacidad de la agrupación andina. Por un lado el gran parecido al sonido de MGMT (banda de la que abiertamente han declarado ser influenciados) los hacía poner en una situación casi plagiaria y en segundo lugar la lírica que para algunos podría ser considerada como sicodelia pura para otros tantos simplemente hablaban disparates infantiles.

La gran prueba para Astro estaba en este su primer larga duración, material en el que demostrarían de una vez por todas su capacidad o se quedarían por siempre estancados en el sendero de la mediocridad, así pues el resultado me parece sinceramente alentador y muy atinado el giro que ha decidido tomar la banda. Durante los doce tracks que componen el plato podemos ratificar que la escucha de sus composiciones sigue siendo una experiencia sicotrópica similar al consumo de ácidos alucinógenos donde hay conversaciones con animales y contactos sobrehumanos. Además Astro ha dejado de lado esa obsesión por sonar como MGMT para adentrarse en terrenos más cercanos al Glo-Fi ó Chillwave de Memory Tapes ó Neon Indian de atmósferas saturadas de sintetizadores y otros detalles ácido-electrónicos.

En canciones como Miu-Miu conservan ese ambiente sicodélico de su producción anterior en cambio otros como Volteretas ó incluso Colombo (con su cierto aire tropicalón) sorprenden por su carga de originalidad y el riesgo que la banda ha decidido tomar para incorporar la experimentación como parte de su rutina. Además flotan dentro del disco un par de interludios que encajan perfectamente en el plato dando un necesario respiro entre un track y otro.

En términos generales podemos dar una muy buena calificación al primer larga duración de estos chilenos, con el cual seguramente callarán mas de una boca de sus retractores.

Cascadeur - The Human Octopus (2011)

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Cascadeur es poco menos que un misterio, la música de este joven francés llamado Alex Longo quien es cantante, compositor, arreglista y productor es una placentera revelación aunque su identidad se mantiene oculta en sus presentaciones en vivo y en sus videos, siempre se le ve dándole duro a los sintetizadores y a su piano bajo un casco de piloto o bien con la máscara del Huracán Ramírez asemejándose un poco a la estética de sus paisanos Daft Punk.

Desde pequeño tiene una formación clásica en la enseñanza del piano (lo que se nota indudablemente en sus canciones) pero al conocer la música de Depeche Mode esta se transforma para él en algo así como un detonante para crear las maravillas sónicas que conforman su LP “The Human Octopus”, en ellas además de su piano, incorpora otros instrumentos sinfónicos tales como el arpa, cuerdas y percusiones que al mezclarlas con sus secuencias, baterías, guitarras eléctricas y otros, resultan en una exquisita riqueza musical de texturas delicadas que por momentos se acerca a la elocuencia de The Cinematic Orchestra o incluso el dramatismo de Antony and the Johnsons.

Dice que no tiene intenciones de revelar su rostro porque él se revela mediante su música y la verdad es que con tan majestuosa música a quién rayos le importa cómo luzca su cara.

Mixtape Noviembre 2011

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Es muy frustante la sensación de tener el deseo de compartir tanta música disponible en este planeta y carecer de tiempo para postear. Por esta razón he preparado un mixtape donde comparto grandes canciones de discos lanzados este año y que lamentablemente no he podido, y seguramante no podré postear, si hay algún disco en el que tengan especial interés no duden en solicitarlo y trataré al menos de compartir el enlace para descarga

Track list:

1 I Heart Sharks - Animals

2 Other Lives - Dark Horse

3 Art vs. Science - Take a look at your face

4 Florence + The Machine - Shake it out

5 The Diogenes Club - The longest day

6 Unknown Mortal Orchestra - Ffunny Ffrends

7 Youth Lagoon - 17

8 M83 - New map

9 Neon Indian - Hex Girlfriend

10 Big Deal - Chair

11 Apparat - Ash black veil

12 Memory Tapes - Today is our live

13 Letting up despite great faults - Sophia in gold

14 Fakuta - Armar y desarmar

15 65daysofstatic - Burial Scene

Summer camp – Welcome to Condale (2011)

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“… una carta de amor a la etapa de la adolescencia, cuando todo es importante y es irrevocablemente involucrarse en una relación miserable.”

No sé si es pura nostalgia mía por aquella época infantil de tantos recuerdos la que sirve como detonador para que este disco me esté pegando tanto. No sé si sea ese aire con reminiscencias al sonido melancólico-playero de The Drums el que me hace estar tarareando constantemente las melodías de este dueto. Tal vez cierto parecido a Tennis o incluso una falsa aproximación a las armonías de Sleigh Bells (sí, quizá exagero). Posiblemente esa imagen Lo-Fi similar a Beach House es el elemento atrayente ó simplemente, y es lo más probable, que el talento de estos dos ingleses y la obsesión que tienen por el surf de los 60’s y el synth-pop de los 80’s (movimiento en boga que está derramando decenas de propuestas por todo el mundo) les haya servido para editar un trabajo de tan prominente valor como este Welcome to Condale.

Envueltos en un halo de misticismo, creado a propósito acerca de sus identidades, Summer Camp ya nos había hecho llegar un par de sencillos que prometían mucho como lo fueron Round the Moon ó Ghost Train del Young EP, ahora, después del éxito inusitado que tuvo su primer trabajo han contratado los servicios de Steve Mackey (miembro de Pulp) en la producción para su primer larga duración. Además de respetar la esencia de músicos amateurs que tenían en el EP, Mackey les ha dado un peculiar sonido que no solo se clava en la onda medio melancólica sesentera de su primer trabajo sino que hay temas con un espíritu realmente alegre más acorde al synth pop de los 80’s. Así pues la instrumentación de Jeremy Warsley y la increíble voz de Elizabeth Sankey (por momentos perdida por la necedad de hacer un sonido Lo-Fi) nos llevan de la mano por un disco rico en melodiosos temas e incontables recuerdos de adolescencia.

The Bronzed Chorus - Gleaning EP (2011)

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Poca información pude encontrar de este dueto de math-rock; solo que son originarios de Carolina del Norte y que tienen en su haber un par de discos entre ellos el que nos ocupa en esta ocasión, el EP titulado Gleaning recién lanzado este año.

El plato abre con The Morning has gold in its mouth que sosiega el espacio con una atmósfera maquinal de secuencias repetitivas acompasadas por una batería de exactitud milimétrica, apenas sobresale el susurro insinuante de unos instrumentos de cuerdas tímidos y distantes que invitan a la calma. De pronto la quietud es irrumpida por el trepidante ritmo de Are we not speedwagon?, el math rock se engalana con las notas suaves pero cósmicas del punteo de la guitarra que combinado con los sintetizadores y el peculiar uso de los platillos Hi hat en la batería nos hace recordar un poco las enviciantes melodías de Maseratti pero a velocidades no humanas.

El siguiente track es Pleiades que desde el título nos sugiere una pieza que convida a la observación estelar con la música como perfecta compañía para fundirse en la vastedad del universo, continúan hipnotizándonos con el punteo en la guitarra enmarcado con secuencias atmosféricas muy ochenteras y el travieso sonido del doble bombo hace lo suyo para quitar un poco tanta solemnidad.

Por último el track walletkeys/phonesmokes nos da una lección de cómo los cambios de ritmo pueden convertirse en una impresionante herramienta al ser usado de manera correcta. De repente el sonido sutil y provocador se convierte en un swing que trasmite al instante una poderosa sensación rítmica que puede resultar orgásmica para luego volver al suave final que cierra el disco con una batería casi marcial que se desvanece ante el último soplo de los sintes.

The Demos – Lovely (2011)

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Existen jóvenes músicos que simplemente no comulgan con los conceptos de ese movimiento en boga llamado Lo-Fi de canciones caseras grabadas en pocos minutos en las habitaciones de adolescentes introvertidos y “raros”, personas que todavía creen fervientemente en la alta fidelidad y los detalles que una grabación en estudio puede ofrecer, entes que aún confían en la influencia de la música de los Beatles y los Beach Boys y que no tienen miedo a escribir canciones que hablen del amor como se hacía en antaño. Tal es el caso de Jason Milton y Callan Saunders oriundos de Rochester NY, quienes forman el proyecto llamado The Demos y nos ofrecen una alternativa verdaderamente sincera y hasta atrevida.
Su propuesta es una base de Powerpop con algunos tintes de Britpop y surf de melodías pegajosas muy facilitas de digerir y estribillos tarareables hasta el cansancio, coros y guitarritas muy “California way” con un sonido similar a Fountains of Wayne ó Telekinesis (el lado menos grunge de éste último). Ahora nos presentan el LP Lovely, título que definitivamente le queda como anillo al dedo ya que consta de 12 adorables tracks que cautivan incluso al más duro de los corazones, convencen al más ignorante de los pazguatos y conmueven al más imprudente de los cabezas huecas…
Ah! es verdad, creo que he perdido objetividad con tanta miel, así que únete a mí y descubramos juntos lo maravilloso que este mundo tiene para ofrecer con Lovely de The Demos como soundtrack de nuestra odisea, no te arrepentirás.

Giles Corey – Giles Corey (2011)

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“En algún momento de la primavera de 2009, intenté suicidarme. Seis meses antes, usé el artefacto de Voor por primera vez”.

Con estas palabras, evidentemente sepulcrales, comienza el proyecto personal e intimista de Dan Barrett parte fundamental de Have a Nice Life.
El nombre de Giles Corey es tomado de un personaje de la historia norteamericana del siglo XVII, básicamente un granjero acusado de brujería en el año 1692, fue torturado y muerto con el método conocido como la “Tortuga” en el cual se apilaban gigantescas rocas sobre el individuo sometido con el fin de extraer la confesión en la que aceptara su inclinación hacia las artes diabólicas, en lugar de eso se afirma que solo repetía las palabras “más peso”.
Ahora, volviendo al tema del proyecto de Barrett, éste se trata de una obra conceptual que consta del CD y un libro de 150 páginas donde Barrett expone a través de sonidos y letras su manera de apreciar la muerte, el suicidio, la depresión y aquello en lo que nos convertimos después de la vida. Con sus visiones de novias fantasmales, chicos horrorizados ante la imagen de su madre muerta, declaraciones de odio hacia sí mismo no como excusa sino motor para cometer suicidio y lamentos de desamor, Barret hace uso de guitarras acústicas, órganos de viento, violines, pianos de llantos caóticos, coros espectrales provenientes de alguna iglesia abandonada y gritos demenciales de infinito dolor para producir un Dark-Folk visceral y deprimente, que efectivamente incita al suicidio de una manera tan natural como la vida en sí.
“all around us
hangs an air of darkest doom,
and it flows out my lungs
and slowly fills the room

I open up my heart
and stick my fingers in,
but you will never want
what I have to give”

Con temas tan emotivos como “Blackest Bile” o mi favorita “Grave filled with Books” Giles Corey nos conmueve de manera inmediata creando una atmósfera casi perfecta en la que flotan en una misma habitación la paz y los deseos rabiosos de muerte y desesperanza más contenidos .

“I will break my spine on the page,
like the books that will up my grave.
I am entombed in my bed
with those words that you said, that I kept :
that I'm not the only one
that I'm not the only one
that I'm not the only one
that you've never loved.”

Torreblanca – Bella Época (2011)

Gracias a ese sólido movimiento que lleva años gestándose principalmente en Europa, donde decenas de bandas y sus excelentes como originales propuestas buscan dignificar esa maltrecha figura llamada Pop, en nuestro país gente como Juan Manuel Torreblanca tiene la oportunidad de mostrar sus interesantes atributos que resultan en experiencias exquisitas para el escucha, pero que tiempo atrás provocarían la reprobación y mofa de los “puritanos” del rock. Así hoy en día esa gente que durante la década pasada se podría considerar como los Ninis del rock en español, es decir que ni tocan rock, ni tocan pop del todo, ya que usan las bases del pop pero incorporan elementos que anteriormente eran impensables de adherir, son ahora agrupaciones que gozan del reconocimiento general, que dicho sea de paso es bien merecido cuando se trata de propuestas honestas como la de este proyecto llamado Torreblanca y que son necesarios con extrema urgencia en este país falto de conceptos más auténticos.

Juan Manuel tiene ya una trayectoria en el medio fungiendo como músico de soporte o colaborador de personalidades como Natalia Lafourcade ó Ximena Sariñana pero apenas en 2007 se decide a darle forma a este proyecto más personal. El año pasado editó el EP Defensa en el que pondría sobre la mesa el estilo que define al proyecto, se trata de una fina y refinada variación de Pop al que incorporan elementos jazzísticos. Destacan la singular voz de Juan Manuel de timbre un tanto flemático y la detallada instrumentación que incluye pianos, saxos, clarinetes y el delicioso acordeón de Andrea Balency quien también aporta su voz en los coros.

Ya firmados con la siempre deseada Arts&Crafts México, editan su primer larga duración que lleva por nombre Bella Época; conjunto de 11 canciones muy regulares que hacen muy llevadera y entretenida la escucha del plato, la lírica es muy sencilla pero directa, definitivamente podría mejorar, tal vez más abundancia en el léxico ó mejor estructuración de oraciones para hacerlas más subjetivas y no tan directas y quedarse en esa frágil línea que divide lo brillante de lo corriente, pero no se preocupen, tampoco es un Arjona, las letras en esta ocasión no son algo que cambie el considerar este álbum como uno de los mejores trabajos hechos en México en 2011.

ZOLA JESUS – CONATUS (2011)

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El regreso de esa bruja electrogótica que responde al nombre de Zola Jesus se ha materializado en el tercer LP de este personaje de voz solemne de rasgos operísticos, sueños retorcidos surrealistas y atmósferas de beats repletas de un oscurantismo taciturno casi desolador. Ya habíamos recibido una pequeña dosis de lo que nos vendría este año por parte de Nika Roza Danilova con la grandiosa colaboración al reciente material de M83.
Ahora con la presentación de su nuevo plato titulado Conatus , a lo largo de sus once inmejorables tracks, la Danilova nos conduce a terrenos depresivos cargados de sus ya acostumbradas enervantes sonorizaciones Dark-pop con reminiscencias de New Wave que nos encrespan la piel.
No hay muchos cambios estructurales en relación con sus trabajos anteriores, quizá la única diferencia estriba en que Zola Jesus ahora nos regala con su voz un halo de falso optimismo, como una fingida luminosidad que nos hace albergar un poco de esperanza en algo inexplicable que se va diluyendo de a poco con la gélida musicalización de sus sintetizadores. El diseño de la portada, que merece mención aparte por su belleza, corrió a cargo de ella misma.
Personalmente me parece hasta ahora el trabajo mejor logrado de la ruso-americana síntoma de que la experiencia de sus anteriores placas le va sentando de maravilla a esta aún joven prominente virtuosa del underground. Este otoño pinta para ser deprimente en cuestiones musicales y aquí tenemos la primer gran muestra mejor que pintada para desgarrarse en estos días de ausencia de Febo.

St. Vincent - Strange Mercy (2011)

Después de dos inmejorables discos de estudio, en especial aquel Actor de 2009 que sin duda fue de lo mejor de aquel año, Annie Clark AKA St. Vincent presenta su tercer LP titulado Strange Mercy en el que se rodea de grandes colaboradores como McKenzie Smith de Midlake, Phil Palazzolo de Okkervil River o Daniel Hart de The Polyphonic Spree. La fórmula impresa en su estilo no ha variado mucho con respecto a los platos anteriores, sus canciones siguen siendo estructuras densas y complicadas más centradas en la experimentación que en la propia composición en sí, Annie tiene demasiada habilidad en sus manos para manipular su Fender de manera que le exprime sonidos inimaginables que van desde el más calmo y nostálgico arpegio como suave goteo hasta el más corrosivo riff como en Northern Lights o Chloe in the afternoon y si a esto le agregamos la dulce y clara voz de la Clark el resultado es una rara mezcla entre ternura y demencia a la vez.

La instrumentación clásica sigue estando presentes, hay violines, pianos y sobretodo el favorito clarinete que suelen incorporar, pero además de eso ahora incluyen algunos elementos electrónicos como en Cruel, dándole un poco de frescura a los ambientes. En lo particular considero este Strange Mercy como el mejor disco hasta la fecha de Annie Clark, demostrándonos que en los terrenos del pop también hay cabida para la experimentación y que el resultado puede ser digno de halagos como en esta ocasión.

French Films - Imaginary Future (2011)

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Justo cuando el verano del 2011 está a punto de marchitarse para la eternidad aún hay bandas que se resisten a dejarlo morir, ese es el caso de los Finlandeses French Films quienes lanzan su álbum debut titulado Imaginary Future, y es de agradecerse ya que con su mezcla de post-punk ochentero, new wave y surf nos ofrecen el puente perfecto entre el lánguido estío y el naciente otoño. Los diez cortes del plato están llenos de una alegría veraniega que por obvias razones hace inevitable la comparación con los americanos The Drums, sin embargo hay en las atmósferas cierta nostalgia sombría ideal para estos días de viento y a más de uno hacen aseverar que así debió haber sido el segundo album de los neoyorquinos. Cierto o no, este álbum es digno de disfrutarse una y otra vez con sus melodías contagiosas y su clara reminiscencia a esa música oscura y deprimente de los 80´s

Rubik - Solar (2011)

La música del quinteto Finlandés Rubik está siempre flotando en esa frágil línea que divide lo sutil de lo convencional, lo ingenioso del plagio y lo brillante de lo corriente, si bien no inventan el hilo negro de la música también hay un aire de frescura y desasolve en sus interpretaciones. Con una creciente carrera que comenzó por allá del 2003 la banda ha recabado miles de fans principalmente en Europa y USA queriendo consolidarse con su tercer larga duración lanzado este año y titulado "Solar".

El álbum muestra a una banda de sonidos variopintos que incorpora a su base Indie arreglos de metal harto interesantes y otros elementos de música de cámara muy bien logrados además de ruidos varios de sintetizadores, es una mezcla muy bien balanceada y ecléctica de inicio a fin lo cual muestran desde el track 1 con su épico "Trough the haze of our national anthems" donde los intrumentos de viento metal nos erizan la piel.

Es necesario dar un par de escuchas al plato para captar matices pero al final el resultado es muy alentador aunque siempre queda esa espinita que la banda por momentos suena mucho a otras como I'm from barcelona, Architechture in Helsinki ó Radiohead o inclusive Arcade Fire por lo que tendremos que seguir esperando por un trabajo que le de su propia identidad a la agrupación y los consolide por méritos propios, aunque definitivamente este Solar no decepciona en nada, por el contrario es muy buena opción para este largo fin de semana.

Mogwai - Earth Division EP (2011)

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A unos cuantos meses de haber visto la luz el maravilloso LP "Harcore will never die, but you will" la banda Escocesa de post-rock Mogwai decide aventurarse y lanzar un EP de 4 canciones al que titulan "Earth Division". En principio cualquiera pensaría que se trata de canciones desechadas que no fueron lo suficientemente buenas para entrar en el LP. Una parte de esto es cierto, los cuatro tracks incluídos en este EP no fueron seleccionados para entrar en el larga duración, sin embargo la única y verdadera razón de esta desición en apariencia elitista es que los temas simplemente no iban acorde al concepto de los demás y por eso fueron descartados, cosa que se agradece profundamente ya que en este EP brillan cada uno y por sí solos. Estamos hablando de 4 diamantes que fueron trabajados simultáneamente pero concebidos cada uno por separado para mostrar su belleza individual.

El plato abre con "Get to France", un piano lejano y fantasmal da la bienvenida a este ecléctico recorrido sónico, lo acompaña una instrumentación clásica que cae en lo medieval con un dramatismo exquisito en cada acorde, el track termina e inesperadamente los sonidos nos trasladan a una isla apacible de suave ritmo, es "Hound of winter" que nos hechiza con un fino folk de nítidas cuerdas acompañadas por el melancólico sonido de la armónica y el delicado transitar del piano que se siente como pequeñas gotas de lluvia en nuestros rostros.

De pronto la banda nos da una rotunda cachetada para salir del embelesamiento con "Drunk and crazy" y sus chirriantes sonidos maquinales ora electrónicos ora eléctricos que inundan el espacio con un corrosivo ruido salvaje que de a poco se va muriendo para dar paso a un delicado puente que nos regala el llanto desesperado de un violín que se desgarra en cada tono, vuelve la instrumentación de cámara dramática y emocional que se mantiene unos cuantos segundos para dar la bienvenida nuevamente a los ruidos maquinales y terminar la oda en armonía con las dos partes.

El plato cierra con "Does this always happens?" donde el arpegio de un guitarra eléctrica poco procesada se funde con las cuerdas de violín, viola, chelo y el siempre sugerente goteo del piano. La belleza de un paisaje pasa frente a nuestros ojos y nos hace desear el paraíso, el vaivén acústico nos acerca de a poco a la muerte y nos dejamos llevar, suavemente... sutilmente... las notas se van diluyendo y el sonido pone fin al plato... después volvemos a nuestra realidad.

FM Belfast - Don't want to sleep (2011)

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Erróneamente el mundo se ha formado la idea de que en Islandia sólo se hace música melancólica o deprimente debido al frío glaciar que impide que los jóvenes de ese país salgan a divertirse y por ende se queden encerrados en sus cuartos componiendo canciones infinitamente tristes con la vista de un paisaje totalmente nevado en sus ventanas, tal es el caso de grandes exponentes como Sigur Ros u Olafur Arnalds. Sin embargo ninguna de las dos aseveraciones es totalmente cierta, primero por que a pesar de que en efecto en invierno suele nevar como en cualquier otro país del norte de Europa, la verdad es que debido a su situación geográfica, entre dos grandes corrientes de aire, una polar y la otra tropical, los veranos suelen ser muy agradables.

En segundo lugar actualmente hay un nutrido movimiento de músicos nórdicos exportando trabajos de gran calidad, países como Suecia y Noruega han demolido las fronteras culturales para escupir a borbotones en los últimos años grandes bandas de fino pop en estilos que van desde el folk más fundamental hasta el electrónico más festivo e Islandia no es la excepción mostrando al mundo al trío de Reykjavic FM Belfast quienes desde el año 2006 explotan sus primitivos sintetizadores para crear ritmos lúdicos y canciones de lo más divertidas.

Lo de ellos no es la emotividad del post-rock ni la experimentación para crear estructuras complicadas, la suya es una música facilita con la palabra fun impresa en cada beat que nos hace mover la cabeza y poner una sonrisa instantáneamente. Este año están presentando su segundo larga duración titulado "Don't want to sleep" y no cambian para nada la fórmula, así les funcionó con su exitoso álbum debut "How to make friends" y así seguirán por un tiempo con canciones tan melodiosas que podrían caer en lo melosamente cursi, sin embargo en este nuevo plato hay un esbozo de temas mejor trabajados en la parte musical y vocal como el track "Noise" que me parece el momento mas sincero del disco.

The Drums - Portamento (2011)

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El verano del 2010 comenzó y ya nunca terminó para aquellos que tuvimos la suerte de escuchar el álbum homónimo de los Neoyorquinos The Drums que con sus melodías oscuronas de sonidos playeros y tristes letras de amores veraniegos captaron una gran cantidad de fans por todo el planeta, los cuales caíamos rendidos ante los pies del frontman Jonathan Pierce al verlo en sus actuaciones en vivo. Canciones como "Forever and ever amen", "Me and the moon" ó la ya convertida en clásico de verano "Let's go surfing" consolidaron este disco como uno de los mejores del año pasado, sin embargo la trepidante carrera de los oriundos de Brooklyn no comenzó ahí, de hecho desde 2009 con su EP Summertime conmovieron a miles de entes con temas como "I felt stupid" ó "Submarine" por lo que decidieron no quedarse con las ganas de sacar material nuevo cada año y en 2011 presentan el segundo larga duración titulado Portamento (Def: transición de un sonido hasta otro más agudo o más grave, sin que exista una discontinuidad o salto al pasar de uno al otro).


Con este precedente las expectativas generadas para el segundo larga duración quedaron muy altas y considerando que para toda banda casi siempre el segundo álbum es el que define el éxito o fracaso de una agrupación los Neoyorquinos tenían un difícil reto por vencer y han sorprendido a todos con este material, comenzando por el título tan poco común y la portada un tanto desconcertante para aquellos que simplemente no le hayamos relación alguna con su estilo musical o su lírica.


Musicalmente siguen con el mismo estilo Dark-pop ochentero mezclado con surf y rock de los 60's, sin embargo se nota un sonido mejor trabajado y más maduro, además vuelven a sus raíces musicales y desenpolvaron los sintetizadores análogos que había arrumbado al cambiarlos por guitarras por lo que las atmósferas están más cargadas de acompañamientos y ruiditos electrónicos en tracks como "Searching for heaven" ó "Hard to Love". En las letras hay un cambio más drástico, ahora Pierce se siente más honesto y profundiza en temas más reflexivos como la vida después de la muerte o las creencias religiosas lo que sin lugar a dudas repercute en el ánimo de las canciones haciendo del conjunto de 12 tracks un disco más "serio" con espíritu menos festivo que su antecesor lo cual podría traducirse en una pérdida importante en el número de fans para aquellos que esperaban una continuación de su primer LP.

Portamento es un disco excelente pero para apreciarlo será necesario estar conscientes de que la banda se ha alejado de ese espíritu "Let's go surfing" para adentrarse en terrenos más emocionales, además es necesario darle al menos 4 escuchas para ir captando las increíbles texturas llenas de nostalgia y esos pequeños detalles que hacen grandes a las canciones, después de esto seguramente estarás tarareando durante el próximo bimestre cada uno de los tracks.

The Bilinda Butchers - Regret, Love, Guilt, Dreams (2011)

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es un dueto originario de San Francisco que decidió nombrarse así en honor a la guitarrista de la mítica banda irlandesa My Bloody Valentine y autodefinen su música como nostalgia pop aunque en realidad su sonido es una mezcla de shoegaze, dream pop y glo-fi con sonidos electrónicos de atmósferas saturadas y juvenil melancolía, en la susurrante voz de letras casi inentendibles hay una clara reminiscencia al sonido clásico del shoegaze de principios de los noventa que nos ratifica una vez más que este movimiento no ha muerto, por el contrario es junto con el chillwave los estilos que definieron los sonidos del 2011.

Con un título tan sugerente como sutil presentan el EP Regret, love, guilt, dreams (Arrepentimiento, amor, culpa, sueños) con 6 ensoñadoras canciones empapadas de esas texturas nostálgicas que nos llenan de ese sentimiento dulce-amargo que solo estos sonidos nos pueden provocar. El plato abre con "All my friends", track de un característico sonido pop lo-fi de sintetizadores ochenteros, guitarras dream pop y marcadas melodías que desde ya ponen bien en claro por donde va la temática del disco; la adolescencia, los amigos, los paisajes que se quedan guardados en nuestras memorias, los dolores de la juventud y el interminable amor que mana esta condición. A continuación "Tulips" es ese suave remanso con que el sonido hipnótico del chillwave ha inundado la escena musical durante el último par de años. "Careless Teens" que a mi parecer es el mejor track del disco, es una pequeña joya musical en la que capas de ruido reverberante parecen saturarte los oídos pero a la vez enternecen con ese romanticismo tan melancólico. "Sigh" y "Boyfriend" nos remiten en seguida a ese shoegaze electronico de bandas como The Radio dept ó M83 para cerrar con "Secrets" que es una emotiva pieza de ambient.

la banda aún no tiene contrato con alguna disquera y distribuye gratuitamente su EP a través de su bandcamp, sin embargo queda muy claro que el futuro de este dueto se percibe muy esperanzador.

Sleep Party People - Sleep Party People (2010)

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Pocos datos hay sobre este proyecto creado e incubado en Copenhague en el año 2008, entre ellos que se trata de Brian Batz quien es la mente maestra detrás de este trabajo concebido en su dormitorio y que en las pocas apariciones en público que tiene siempre esconde su rostro tras una máscara de conejo. Se vale de cajas de ritmos, guitarras y pianos a los que agrega una distorsionada voz que es electrónicamente manipulada ya que para él si los conejos cantaran así sería su voz, creando así una suerte de lúdicas melodías cargadas de melancolía que llamaron fuertemente la atención de una de las publicaciones más importantes de Dinamarca Soundvenue, dándole así la oportunidad de ser fichado por A:larm music con quien edita su álbum homónimo con 10 hipnóticos temas de una peculiar belleza ensoñadora un tanto ácida que puede contagiar de sentimentalismo a cualquiera con tan solo escuchar unas cuantas notas.

††† (Crosses) - EP (2011)

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††† es el nuevo proyecto paralelo de Chino Moreno (Deftones) recién formado en 2011 junto con su amigo de la infancia Shaun Lopez (Far) y Scott Chuck e inmediatamente han presentado su primer trabajo en formato EP. Se trata de una obra más intimista de Moreno donde ha dejado un poco de lado ese sonido salvaje de voces desgarradas para dar paso a estructuras de bases más electrónicas jugando con ritmos que van desde el trip-hop hasta el dubstep pero siempre con el oscuro transitar de la guitarra como primera capa de sonido, tal vez omite la brutalidad de su banda principal mas no las atmósferas densas y enviciadas cargadas de mucha experimentación.

Tangled Toughts of Leaving - Deaden the Fields (2011)

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La cordura del subconsciente ó el aparente orden del caos son los elementos que a mi parecer fungen como combustible para el cuarteto australiano Tangled Toughs of Leaving y su incansable motor hacedor de melodías precisas, contundentes y maquinales pero a la vez sutiles y altamente emocionales que nos obsequian en su primer larga duración titulado Deaden the Fields. En sus composiciones mezclan el post-rock con el jazz pero además agregan elementos como el progresivo, el space rock y un casi impercetible coqueteo con el metal dándonos como resultado un amplísimo y complicado espectro sonoro lleno de capas de sonido al que además le agregan sus distintivos y desconcertantes como sorpresivos cambios de ritmo. En general es un disco perfectamente logrado que dentro del género se ha convertido en un must hear con amplias posibilidades de convertirse en uno de los mejores del año.